Profundizando: A-ha no sólo es Take on me

En mi primera serie de artículos sobre la música de grupos que fueron famosos por una canción (llámales one hit wonder o no), voy a hablar de A-ha, el trío noruego famoso en los 80 y condenado a ser conocido por Take on me, su mayor éxito comercial de todos los tiempos. Todos conocemos esta canción, si no por el nombre, por sus primeras 5 notas. Sólo bastan esas notas para que todos, al unísono, salten y digan: "¡Oh, esta!", y se pongan a bailar como locos. Como DJ, es un tiro asegurado en una sesión de pop rock comercial que languidece.

Take on me tuvo vida antes de ser uno de los singles más importantes del mundo. Hubo una versión inicial, grabada por el grupo con la ayuda de algún que otro productor, pero no llegó a calar fondo. Para los curiosos, pongo el enlace del vídeo de dicha versión a continuación: http://www.youtube.com/watch?v=lwtlgNx-Gcw

Pero por suerte alguen vió el potencial de Take on me y ordenó volverla a grabar, volverla a producir, y hacer un vídeo decente. El resultado, más que sobresaliente y rompedor, fué este que podéis ver aqui: http://www.youtube.com/watch?v=CUod3jGQt0U

Con este trabajo consiguieron pulir un diamante en bruto y A-ha pasó de ser el grupo que llevaba un año frustrado luchando por conseguir un contrato discográfico en Londres, a ser la sensación pop del momento.

Pero A-ha no sólo es Take on me, evidentemente. A-ha es, sobretodo, calidad compositiva. Para muestra de ello están Hunting High and Low, Out of the blue comes green, Scoundrel Days, Manhattan Skyline (que son dos canciones fusionadas, que crearon una) y un sinfín más. Y tras pasar la época tecnopop, A-ha viró hacia un sonido más natural, más rock, más convencional, para firmar bellezas como Move to Memphis o Lifelines, siguiendo un poco la tendencia de Depeche Mode (que pasó del tecnopop a un sonido más rock).

En directo se defienden con naturalidad y Morten (cantante de la banda) sonríe cuando intenta llegar al falsete en el estribillo de Take on me, porque reconoce que su ambición juvenil le jugó una mala pasada dejando constancia de su amplio registro en esa canción. A día de hoy, por eso, se defiende bien bajando una octava o dejando que sea el público quien entone esa nota imposible que culmina una ascensión de un par de escalas. La incorporación de bateria real doblada con la electrónica de fondo, la guitarra rockera y los sintetizadores hacen de su directo esa mezcla perfecta que lo tiene casi todo: rock, pop, electrónica, progresiones, solos, coros...

Si nunca os habéis parado a escuchar A-ha, bien porque no es vuestro estilo o porque no habéis ido más allá de Take on me, intentad hacer el esfuerzo. Sus dos primeros discos, más tecnopop, son los mejores en cuanto a calidad de composición. Es reconocida la influencia de A-ha por un sinfín de artistas de nivel internacional. En Wikipedia se recogen algunas de las frases que les avalan: "A-ha son uno de esos grandes incomprendidos genios del pop de las últimas dos décadas" (The Guardian), "estaba en Amsterdam el otro día y puse el álbum Hunting High and Low. Recordé en ese momento cuánto me encantaba ese disco. Es simplemente una composición increíble" (Chris Martin, Coldplay, 2005), "A-ha es, a mi parecer, esa clase de bandas incomprendidas. Son percibidos como fenómenos fans para chicas, cuando en realidad son muy, muy creativos" (Adam Clayton, U2)...

Así que os anino a que les saquéis las hombreras, los peinados, las poses, los artificios de imagen y escuchéis las canciones, la música. No quedaréis para nada decepcionados.

Ken Stringfellow

Gracias a la recomendación de una amiga nuestra, promotora de conciertos miembro de Pishapeans Media, pude disfrutar hace una semana del interesante directo de Ken Stringfellow (http://www.kenstringfellow.com/), quien fuera líder de The Posies y actual miembro de The Disciplines y artista en solitario (además de guitarrista de apoyo de REM).

El concierto, que tuvo lugar en la terraza del restaurante Arola de Barcelona (al pie justo del Hotel Arts), fué sencillo pero efectivo: Ken con una guitarra y con un piano de cola Steinway preparado para el cambio de formato. Un equipo de PA y bastante público, tanto fiel como no iniciado, y predispuesto a pasar un buen rato. Como buen comunicador que és, Ken intentó en todo momento conectar con el público que, debido a las características del lugar (una terraza de bar con escenario en medio), estaba ubicado a su derecha, a su izquierda, detrás y enfrente. El micrófono inalámbrico le permitió acercarse a todos y conectar no sólo musicalmente sinó personalmente, con conversaciones de tu a tu (eso sí, en inglés, pero no supuso ningún problema). Grandes tablas tiene ganadas gracias a su larga carrera musical.

En cuanto a la música, las canciones que Ken interpretó pertenecieron a su carrera en solitario y un par de The Posies. Personalmente disfruté más con la parte de piano y voz. Disfruté especialmente con Known Diamond, una preciosa canción excelentemente interpretada por Ken. Su entrega en directo era perfecta, tanto que incluso prefería eliminar el sistema de PA y tocar para todos sin amplificación, en un intento de hacer la velada más auténtica. ¡Y funcionó! Desgraciadamente tuve que dejar la velada a medio concierto, así que me perdí la parte final, pero la parte que ví me gusto.

Si os gusta la música de autor, intima, personal, tranquila, os gustará Ken Stringfellow. Gran músico y gran pesona. Podéis escuchar su trabajo en su MySpace: http://www.myspace.com/kenstringfellow.

Entrevista con Pere Gené, de Lone Star

Pere Gené es uno de los músicos pioneros del rock en nuestro país. Al frente de Lone Star, rompieron esquemas en el mundo musical español al cantar por primera vez rock en directo y fueron el primer grupo que hizo sonar una guitarra eléctrica en el Palau de la Música. A lo largo de su trayectoria profesional, Pere ha combinado sus tareas en el grupo con las de productor publicitario, actividad que le ocupa actualmente. La entrevista se lleva a cabo en el estudio de la escuela CEV de Barcelona, una tarde de jueves.

Lifetime Music: Hola, Pere, y gracias por atender esta entrevista. Es posible que el lector te conozca por ser cantante de Lone Star, un grupo esencial del rock español de los 60 y 70. Cuentanos un poco acerca de tí y de Lone Star.

Pere Gené: Bueno, yo comencé estudiando música clásica aquí en Barcelona, y después hice tres años de virtuosismo. Pasé un año en Inglaterra, justo en el momento en que el rock'n'roll estaba en auge, sobretodo en aquel país. Al volver a Barcelona, tomé la decisión de montar un grupo de rock, dejando al margen toda la música clásica, con el consecuente rechazo de mis padres [risas]. Así fué como nació Lone Star, y estuvimos 25 años en activo. A lo largo de la trayectoria del grupo ha habido varias etapas. Empezamos tocando versiones de otros temas ya conocidos porque la discográfica no permitía tocar temas popios, pero esa práctica se fué diluyendo poco a poco. Por los 70 sacamos "Mi calle", un tema propio en castellano, que hizo que EMI, nuestra discográfica, abriera los ojos y diera más libertad para la creación en Lone Star y en los grupos españoles, en general, permitiendonos sacar un LP en el que la mitad de los temas ya eran composición propia. A partir de ahí intenamos ir un poco más alla, entrando en el terreno del jazz, y el grupo se "desdobló" para grabar un disco exclusivamente de jazz. Luego fuimos editando algunos trabajos más, hasta nuestro último disco, "Viejo Lobo", editado ya en un sello independiente.

LM: Lone Star fué uno de los grupos de rock más importantes de España, empezando a emerger en la década de los 60. ¿Cómo estaba el panorama musical por aquél entonces para dedicarse a la música? ¿Cómo fué vuestro salto?

PG: Empezamos como he comentado, haciendo versiones de otros grupos. Yo era muy joven cuando creé Lone Star, apenas tenia diecisiete años. EMI se interesó por nosotros y empezamos a grabar en sus estudios, ¡con un cuatro pistas analógico! Lone Star siempre nos hemos caracterizado un poco por romper moldes: fuimos el primer grupo que cantó rock en directo y el primero que hizo un guitarrazo en el Palau de la Música de Barcelona. Recuerdo que esto precisamente levantó mucho revuelo. Recuerdo también especialmente un recital que hicimos en el portaaviones John Fitzerald Kennedy, de la armada estadounidense, en Nueva York, en el que ya empezamos a introducir un poco de jazz en la puesta en escena. Siguiendo con esto del jazz, también hicimos dos recitales íntegramente de este estilo en Madrid y Barcelona. Recuerdo precisamente que en Madrid tocamos "El cant dels ocells", de Pau Casals. Cuando se acabó la melodia ad-libitum con el contrabajo, todo el auditorio (hicimos un lleno ese día) se levantó para aplaudir. ¡Me acojoné, porque no nos lo esperabamos para nada! Luego, la Junta de Cultura Popular de Fraga nos propuso hacer un combinado de jazz y rock para tocar en diversas localidades de España, intentando acercar la cultura al máximo de gente del país, y recuerdo que en muchos sitios, debido a la dictadura de Franco, no se había visto esta música y nos encontramos con muchas audiencias sorprendidas ante el jazz.

LM: Canciones como "Mi Calle", "Trilogía" forman parte ya de la historia del rock en nuestro país. ¿Sientes que las letras de dichos temas aún tienen vigencia, en esencia?

PG: "Mi calle" sí, desde luego. Pero otras quizá no, creo que responden a un sentimiento que tuve en el momento de escribirlas pero que ya se ha perdido o ha desaparecido. No me gusta cantar temas que han perdido su significado: cuando hacemos conciertos hoy en día, escogemos el repertorio también en función del contenido de los temas.

LM: Cuéntanos un poco cuál es tu relación hoy en día con el mundo de la música.

PG: Actualmente, mi contacto con la música es básicamente a nivel de producción publicitaria. También hago clases de producción musical en una escuela de Barcelona. El grupo lo dejamos hace tiempo, aunque de manera esporádica nos reunimos para alguna actuación. De todas maneras, ahora mismo no me decanto hacia la música en directo: tendrían que reunirse algunos factores para que me animara de nuevo a tocar. Pero hoy en día la música que podría hacer no sé que repercusión o interés tendría, porque los tiempos han cambiado y el rock ya no está tan vivo o tan presente como antes. Mi música o nuestra música es como un círculo cerrado, y la gente de ahora quiere cosas nuevas.

LM: Con la experiencia adquirida todos estos años en el mundo de la música, y como conocedor de dicho mundo, ¿qué recomendarias a un grupo o artista que desea darse a conocer y que está dando sus primeros pasos?

PG: Básicamente hay dos vías: una es, conociendo qué es lo que se cuece en el mercado musical, engancharte al carro y hacer la música que el público quiere escuchar. Luego, si no es este tu caso, para tener éxito debes tener lo que se llama el "hecho diferencial": hago que te haga diferente de los demás y que sea atractivo y llame la atención. Por ejemplo Estopa: es un grupo que puede o no gustarte, pero su música es única, y immediatamente reconoces una canción suya al oírla por la radio.

LM: Para finalizar, un breve cuestionario para conocernos un poco más:

Un disco: de Peter Gabriel, el disco de la gira de Secret World Live.
Un libro: ahora estoy leyendo El Código da Vinci, pero mi libro de cabecera es Así habló Zaratrustra.
Una película: West Side Story
Una frase: "Todo es gracia", de San Francisco. Viene a decir que, a la larga, todo es positivo.
Un pasatiempo: viajar

Gracias, Pere. ¡Hasta pronto!

The Twang (nuevo grupo mainstream)

The Twang, a priori, no parecen tener nada especial. Un poco de aquí, un poco de allí. Un poco de Lightning Seeds, algo de Housemartins, bastante de U2, vago recuerdo de The Stone Roses... varias influencias se mezclan. Pero para no tener nada en particular, vienen para quedarse. Los descubrí viendo la MTV (de cuando en cuando zapeo por ahí), en concreto viendo el videoclip de la canción Wide awake. Videoclip sencillo: el grupo tocando en un bar, ante un público fiel. Tomas del grupo, tomas del público, etc. La canción me confirmó la eficiacia de las canciones de un sólo acorde y una sóla variacion. Porque Wide awake es eso: C con cambios a Am, G y FMaj7 (o por ahí debe andar la cosa). Pero esa guitarra aérea la convierte en especial, así como el cantar rápido y hablado del cantante y esa reverb infinita pero tan bien puesta.

Anoté en un papel el nombre y busqué en Google un poco más tarde. Este hecho me permitió conocer a The Twangs (con ese final), grupo español que comparte cartel en algunas citas con The Nu-Niles, grupo con el que compartimos local en el barrio de Sagrada Família de Barcelona, hace tiempo, durante más de dos años. Todas unas eminencias dentro del rockabilly, los Nu-Niles. Tras este pequeño despiste que me trajo gratos recuerdos, encontré el MySpace de The Twang (http://www.myspace.com/thetwang), donde pude escuchar más canciones: Either Way y Two lovers. Ambas seguian la línea de Wide awake, por lo que la coherencia del grupo estaba clara.

Son un grupo joven, no diré emergente porque ya están emergidos, pero con poca carrera por detrás y mucha por delante. De momento han mostrado madurez musical con su primer disco famoso, y les tendré el ojo echado de cara a futuros trabajos. Este viernes y sábado actuaran en el festival Summercase, tanto en Madrid como Barcelona: si podéis pasaros a verlos, ya me comentaréis como se desenvuelven en directo.

Nelly Furtado - Loose

No suelo comprar muchos discos comerciales (de artistas a los que no les hace falta que les compren discos), pero esta vez no me he podido resistir de comprar el último disco de Nelly Furtado, Loose, tras descargarlo de Internet (¡oops!) y escucharlo en bucle bastantes veces. ¿Que por qué me lo he comprado teniendolo en Mp3? Debo ser coleccionista, porque me gusta tener CDs en soporte físico. Aparte del debatible tema de la calidad de sonido.

Calidad de sonido que en este disco me ha sorprendido porque es bastante libre. Canciones como Say it right, donde una ligera distorsion en la sección de los graves me trae dudando entre si me gusta o no. El hecho es que está bien puesta, así que no llega a molestar, y le da un toque especial. Debe ser lo que se llama usar un efecto con fines artísticos, más que un error de mastering. Independientemente de eso, la canción es increíble.

Como otros cortes de dicho disco. Mención especial a What I wanted, una excelente balada que se sale de la línea del disco, a Do it (omitiendo la ya conocida controversia del plagio de Acidjazzed Evening), Maneater y Promiscuous Girl. Hay otras perlas escondidas y pequeños pasajes enmedio de canciones que merecen ser bien escuchados. De todo el tracklist, descartaría No hay igual, tanto por su forma como por su contenido, y el dúo con Juanes lo entiendo como la maniobra comercial para salir un poco más adelante con el disco. Pese a ello, considero que es una buena canción, para ser comercial como és.

Y es que creo que Nelly Furtado ha firmado el mejor disco mainstream del año. Sus muy variadas influencias se han dado cita y han dado luz a un disco que es hip-hop, es urbano, es soul, es incluso 80s... creo que todo el mundo puede ver su estilo reflejado en una canción o en algunos aspectos de la producción o de la composición.

Por eso, quiero dar un 9 de 10 (porque la perfección no existe) a Nelly Furtado por este excelente disco. Y si no os lo queréis comprar (cosa que entiendo), almenos escuchadlo una vez seguido. ¡Os gustará, creedme!

Una aproximación a la música de Tears For Fears

La banda británica formada esencialmente por Roland Orzabal y Curt Smith saltó a la fama a mediados de los años 80 gracias al disco Songs from the Big Chair, posterior a The Hurting, álbum de debut que les hizo populares en su país natal, Inglaterra.

Ambos natales de la localidad de Bath, se conocieron por primera vez en la banda The Graduate, una banda de ska pop con la que grabaron un disco para un sello independiente. En dicho grupo Curt y Roland congeniaron y se dieron cuenta, según han comentado en entrevistas posteriores, de que estar en una banda de música con varios miembros, donde se deben tomar decisiones de manera democrática, a veces no es la mejor manera para avanzar. Así que unieron fuerzas y iniciaron un proyecto musical en el que cualquiera que estuviera interesado estaba invitado a colaborar, pero que lideraron desde un buen principio ellos dos. Dicho proyecto se llamó Tears For Fears, y con el tiempo se unirían a él y serian parte activa y constante Manny Elias a la batería, Chris Huges en la producción y Ian Stanley en los teclados y la producción, cuya influencia sería decisiva en el sonido de la banda en discos posteriores.

Ya desde su primer disco (incluso ya desde algunas de las canciones en The Graduate) se nota la influencia beatle y de la música popular británica en sus composiciones. Cadencias de acordes, melodias, ritmo y estructuras. En el disco de debut, The Hurting, Tears For Fears mezcla la rítmica y melodía pop con la emergente electrónica de los sintetizadores. Aunque es un disco esencialmente electrónico, coexisten de manera muy natural bases electrónicas con, por ejemplo, guitarras acústicas.

Tears For Fears siempre se han caracterizado por ser capaces de crear tanto canciones sencillas como complejas y ser igualmente efectivos en ambos terrenos. Casos de ambos extremos serian, por ejemplo, Mad World y la excelentemente sobreproducida Sowing The Seeds Of Love. Mad World es una canción muy sencilla a nivel armónico, pero con una melodía increíblemente efectiva sobre unos acordes bastante convencionales. Sowing The Seeds of Love incluye más progresiones de acordes, más secuencias, partes diferentes, estructuras complejas, texturas sonoras diferentes, además de una excelente producción y unos cambios de registros muy bien estudiados. Pese a su aparente complejidad, hecho tradicionalmente reñido con la popularidad, se convierte en extremadamente popular gracias a un estribillo directo y pegadizo, una secuencia de partes muy bien ideada y una letra excelente. Además, ambas canciones son inmediatamente reconcibles con sólo escuchar los primeros cinco segundos, hecho que demuestra la singularidad del sonido de la banda.

La temática de las letras de Tears For Fears suele girar siempre entorno a temas relacionados con la sociedad y la psicología humana. Ambos han declarado en varias ocasiones su interés por la psicología y las corrientes de pensamiento. No existen letras sencillas en Tears For Fears. En cuanto al lado musical, Tears For Fears son capaces de facturar desde una canción electrónica de protesta (Shout) hasta un blues instrumental como Badman's song, pasando por el chillout (Listen), canciones con temática y sonoridad bastante “tonta” (The way you are) o incluso su propia clase de rock guitarrero (Dog's a best firend's dog), con canciones de culto como Head Over Heels o Everybody Wants To Rule The World, clásicos aireados hasta la saciedad en las radios junto a Sowing The Seeds Of Love.

Entonces, ¿cuáles son las claves del éxito de Tears For Fears? Por un lado, la versatilidad que hemos comentado. Desde un tema electrónico a un solo de jazz. El amplio abanico de estilos musicales que Tears For Fears ha abarcado a lo largo de su carrera hace que, quien más quien menos, tenga una canción favorita de la banda o le guste un disco más que otro. Pese a ello, la banda tiene característiacs claras que le otorgan lo que se denomina el hecho diferencial, aquello que hace que identifiques rápidamente una canción como de Tears For Fears. En parte gracias a la inconfundible y excelente voz de Roland Orzabal y la inconfundible aunque no tan excelente voz de Curt Smith. Algo parecido a lo que sucede con Fleetwood Mac: varios registros de voces pero todas únicas, sin parecido tímbrico en el panorama musical.

Por otro lado, han acertado en crear melodías perfectas y muy populares pero con una base muy rica tanto musicalmente como tímbricamente. Esto eleva a la banda a niveles de culto, ya que su música, pese a ser muy “contagiable”, dispone de ese sonido único y no se ciñe a los cánones o sonoridades convencionales. El timbre de las canciones de Tears For Fears (la mezcla de electrónica con acústica) y sus producciones, convierten a las canciones de la banda en una excelente mezcla de comercialidad y calidad musical, conceptos que se suelen considerar reñidos.
Tears For Fears son el grupo con uno de los ratios de hits en relación a canciones compuestas más elevado de los existentes hoy en día. Pese a sus escasas publicaciones (4 discos como dúo y 3 como proyecto en solitario de Roland Orzabal), son conocidas canciones de todos sus discos y, en muchos de ellos (como en el caso de Songs From the Big Chair o Sowing The Seeds Of Love) , la mayoría de las canciones han sido o son hits incluso en la actualidad, sonando a diario por las radios de todo el mundo.